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Esse texto pode conter possíveis SPOILERS. Sinopse: Londres 1880. Baseado em um conto gótico, um distrito sofre com misteriosas mortes e experiências sobrenaturais que levam seus moradores a crerem que a mítica criatura de Golem realmente existe. Crítica: Os criadores de 'Os Crimes de Limehouse' não estavam preocupados com o desenvolvimento dos personagens ou detalhes do período. Em vez disso, eles se concentram na necessidade de John de excluir suspeitos, incluindo, de todas as figuras históricas. Qualquer um que seja suspeito deve ser considerado inocente, é essa abordagem, que infelizmente, se torna a grande falha de 'Os Crimes de Limehouse'. Com muita frequência, o roteiro de Jane Goldman parece uma condensação falante e ofegante, em vez de uma interpretação do conceito imaginativo de Ackroyd, esforçando-se para encaixar cada pedacinho de um conto muito complicado em um quadro de duas horas. O diretor Juan Carlos Medina é culpado de over-stuffing adaptando a história de Jane Goldman com uma mistura muito ocupada de flashbacks e números musicais. Somando-se à sensação de claustrofobia da narrativa comprimida, a filmagem de Medina parece quase inteiramente feita em estúdio, com poucos exteriores de luz do dia e uma sensação saborosa, porém teatral, no design geral da produção. Essa pode ser uma escolha deliberada para sublinhar os temas teatrais da história, mas esses motivos mais sutis tendem a ser enterrados na confusão impetuosa. Olivia Cooke mostra porque está rapidamente se tornando a femme-du-jour, cantando e brincando no palco, interpretando tanto a vítima quanto o opressor. Douglas Booth faz uso de sua androginia e prova uma presença surpreendentemente fluida. Nighy, enquanto isso, é digno, embora não seja suficientemente convincente para compensar a distração do filme. Um grande elenco é decepcionado por um script que não consegue fornecer um mistério convincente para resolver. Tão ocupada e artificial quanto a decoração vitoriana em sua forma mais excessiva, o filme é similarmente muito de uma coisa boa e elegante. Esta adaptação do romance de 1994 de Peter Ackroyd é uma mistura barroca de figuras históricas reais, personagens fictícias, flashbacks de várias camadas e uma dupla vertente. 'Os Crimes de Limehouse' teria melhores resultados como uma minissérie talvez. Nota: 5

Esse texto pode conter possíveis SPOILERS Sinopse: Relançamento do clássico de 1955, que conta a história de amor entre a Dama, uma cocker spaniel mimada, e um vira-lata chamado Vagabundo, que salva a cadelinha do perigo de vagar sozinha perdida pelas ruas. Feito para guardar o conteúdo original da nova plataforma de streaming da Disney, 'A Dama e o Vagabundo' é o que acontece quando o rabo abana o cachorro. Crítica: O novo filme de Charlie Bean, 'A Dama e o Vagabundo' é o filme perfeito para começar a próxima fase das guerras do streaming: é novo, mas familiar, seguro, mas doentio, e de alguma forma bem mobiliado, mas também de aparência barata. Acima de tudo, claramente existe apenas porque um conglomerado de entretenimento se sentiu obrigado a construir uma plataforma antes de ter material suficiente para apoiá-la. A boa notícia é que 'O Rei Leão', 'O Livro da Selva' e o restante dos remakes baseados em tecnologia da Disney nos condicionaram a ser gratos por pequenos favores, a maioria dos espectadores provavelmente desejarão à mera visão de animais reais. Enquanto a decisão de mover digitalmente os focinhos dos cães quando eles falam inglês entre si, é quase desanimadora o suficiente para negar o efeito, mas os cães são fofos quando mantêm as mandíbulas fechadas. Os cães em 'A Dama e o Vagabundo' são reais, quando não são substituídos por falar em CGI, eles exibem um verdadeiro caráter de cachorro na maneira como andam, interagem e ficam sentados em atenção. É intrigante notar que quanto mais artistas humanos tentam criar esses animais, menos reais eles parecem. Pelo menos são cães, que são objetivamente mais fofos e divertidos de se ver correndo do que os grandes animais da selva. 'A Dama e o Vagabundo' pode seguir uma rota diferente de 'O Rei Leão', mas acaba nas mesmas profundezas do vale misterioso. Outras coisas que se perdem lá incluem uma moral doce sobre o poder do lar (e o valor de compartilhá-lo), uma dose saudável de espírito de férias e uma sensação revigorante de que a Disney só tem tantos filmes clássicos para refazer. Outras contribuições técnicas são brilhantemente genéricas, mantendo os procedimentos o mais próximo possível do nivelamento dos desenhos animados, conforme a vida real permitir. A trilha sonora original de Peggy Lee recebe alguns ajustes: o mais sensato e inevitável é que “The Siamese Cat Song”, com seu estereótipo datado de face amarela, foi substituído por um número jazz-gato memoravelmente saltitante e completamente artificial. Com o lançamento da Disney Plus, 'A Dama e o Vagabundo' é colocada na curiosa posição de sair no mesmo dia em que sua inspiração atinge a transmissão pela primeira vez. Para esse fim, os espectadores têm o dilema intrigante de ter as duas versões do filme disponíveis para assistir no mesmo serviço: qual você escolheria? De qualquer forma, você terá um tempo agradável, ainda que doloroso, com qualquer versão de 'A Dama e o Vagabundo' que você escolher. Talvez você possa sentar seus filhos na frente de ambos e dar-lhes uma lição inicial sobre o que é ganho - e perdido - na arte da adaptação. Nota: 5

Esse texto pode conter possíveis SPOILERS. Sinopse: Ambientada entre a Segunda Guerra Mundial e a Guerra do Vietnã, 'O Diabo de Cada Dia' acompanha diversos personagens num canto esquecido de Ohio, os quais a vida acaba se conectando. Willard Russell é um atormentado veterano, sobrevivente de uma carnificina, que não consegue salvar sua bela esposa de uma morte agonizante por conta de um câncer, mesmo com toda a oração e devoção de sua parte. Enquanto isso, Carl e Sandy Henderson, um casal de assassinos em série, percorrem as rodovias americanas em busca de modelos adequados para fotografar e exterminar. E no meio disso tudo está Arvin Russell, filho órfão de Willard e Charlotte, que cresceu para ser um homem bom, mas começa a demonstrar comportamentos violentos quando passa a desconfiar que o líder religioso da cidade, Preston Teagardin, é uma farsa. Crítica: A maior parte de 'O Diabo de Cada Dia' é uma crueldade classista, um fracasso total em ver qualquer humanidade na maioria de seus personagens pobres e enfermos. Eles são vítimas e vitimizadores, sem muita ação além disso. O verdadeiro problema é que o filme não parece ter nenhum interesse em sequer tentar localizar um sentido mais profundo de personalidade para os seus personagens. É difícil se preocupar com os personagens decentes porque eles são tão chatos, é impossível se preocupar com os maus porque eles existem apenas para nos ensinar uma lição sobre a falta de confiabilidade da humanidade. Este é realmente um filme repleto de estrelas jovens de Hollywood, do Homem-Aranha a um futuro Batman. Entre um elenco de atores confiáveis, Holland e Keough são os únicos que trazem qualquer sombra emocional real para seus papéis. Pattinson, que geralmente é um jovem artista fantástico, apenas sorri ao longo do filme. O filme é bastante contente em contar sua história sinistra de destinos sombrios e interconectados. Como é intrincadamente elaborado, o filme do diretor Antonio Campos é francamente simples. O diretor, que também escreveu o roteiro com o irmão Paulo Campos, exagera ao tentar abranger toda a extensão do livro da qual o filme é baseado. Esse filme deveria ser uma minissérie para poder ser algo épico. Existem mortes que não precisamos ver, destinos que não precisamos saber, cenas que não levam a história adiante. 'O Diabo de Cada Dia' é apenas um amontoado de pessoas horríveis fazendo coisas terríveis, sem nenhuma razão além de provar o quão miseráveis ​​os humanos podem ser. Nota: 5

Esse texto pode conter possíveis SPOILERS. Sinopse: O filhote travesso da Dama e do Vagabundo está cansado de tantas regras e imposições que ele tem que obedecer para continuar vivendo em família. Banzé deseja mesmo é seguir um estilo de vida livre e selvagem. Com isso em mente, ele foge de casa e pega as ruas da cidade, onde ele se junta a um bando de cachorros perdidos que são conhecidos como "Os cachorros do ferro-velho". Buster, o líder do grupo, logo não vai com a cara de cachorro mimado de Banzé, e passa a considerá-lo um rival. Já Angel se torna uma grande companheira de Banzé, e tudo que ela mais deseja é uma vida confortável dentro de casa. Resta ao Banzé escolher entre a vida agitada e livre das ruas ou a que levava ao lado do amor de sua família. Crítica: "A Dama e o Vagabundo 2: As Aventuras de Banzé" é um filme de animação estadunidense de 2001, dirigido por Darrell Rooney e Jeannine Roussel para a Disney Television Animation da Austrália. A animação foi lançada em 27 de fevereiro de 2001, 46 anos depois de seu antecessor "A Dama e o Vagabundo". No início dos anos 2000, a Disney começou a fazer sequências de praticamente todos os seus filmes de animação que vinham à mente. Era simplesmente uma maneira infalível de ganhar muito dinheiro sem grandes despesas ou esforço. Para você que não entendeu a existência de "A Dama e o Vagabundo 2: As Aventuras de Banzé", essa é a justificativa, o dinheiro. "A Dama e o Vagabundo 2: As Aventuras de Banzé" adota duas das abordagens que permearam a produção direta em vídeo do estúdio na época, ambas focando na descendência jovem dos personagens principais e invertendo uma ideia do filme original. "A Pequena Sereia 2: O Retorno para o Mar" havia empregado essas duas táticas apenas cinco meses antes, mas criatividade e esperteza não é o objetivo nessas sequências rápidas e frugais. Esta é uma produção leve e padrão, que consistem de canções proeminentes ao estilo da Broadway, pedidas para suprir o peso emocional que o filme de outra forma não tem, estão muito distantes das sensibilidades musicais ecléticas do original. Quando aplicável, a arte de fundo original é reutilizada ou adaptada, e o CGI às vezes se destaca não se unificando com a animação no geral. Visualmente, a animação encontrada aqui é perfeitamente limpa, nítida e colorida, mas falta a profundidade, a dimensão e o charme dos primeiros clássicos da Disney. Com o talento, orçamento e tempo que tinham, os criadores de "A Dama e o Vagabundo 2: As Aventuras de Banzé" fizeram um trabalho adequado de criar entretenimento infantil passável. Embora semelhante em espírito, este filme está longe de ser bom o suficiente para se comparar com o original e nem de longe criativo o suficiente para merecer ter sido feito. As crianças se identificarão com o anseio de Scamp por liberdade e aventura fora das restrições do lar. No final, as crianças, assim como Scamp e Angel, apreciarão os valores reconfortantes de amor e aceitação que estão no coração e na alma do que significa fazer parte de uma família. Nota: 4

Esse texto pode conter possíveis SPOILERS. Sinopse: Um jovem de origem rica decide entrar para o exército e acaba sendo enviado ao Iraque, deixando sua família e a namorada Emily para trás. Mas o protagonista não consegue lidar com as atrocidades e violências da guerra e quando volta para casa desenvolve transtorno pós-traumático. Ao tentar lidar com a doença, ele acaba se viciando em opioides, entra para o mundo do crime, assaltando bancos, para sustentar seu vício em drogas. Crítica: 'Cherry: Inocência Perdida' é baseado em um romance semi-autobiográfico de 2018 de Nico Walker, um condecorado veterano do Exército dos EUA que cumpriu pena na prisão por assalto a banco. É seguro presumir que Nico Walker sabia que sua história de vida poderia render um bom filme nas mãos certas. Os irmãos Russo oferecem um milhão de dólares pelos direitos da adaptação e transformá-lo em sua primeira produção pós 'Vingadores: Ultimato'. Um bom negócio para Nico Walker, mas nem tanto para a dupla de diretores. O trabalho de câmera de Newton Thomas Sigel, com seus tiros de drone e sequências virtuosas de rastreamento, é impressionante em um nível artesanal. Nenhum dos visuais complicados ou enfeites ostentosos, como insultos profanos espalhados pela tela em texto vermelho-sangue, fazem você se preocupar com aquilo que você está assistindo. Os Russos têm um elenco forte. Os atores Jack Reynor, Michael Rispoli, Michael Gandolfini, Thomas Lennon e Damon Wayans Jr. têm momentos memoráveis, mas nenhuma dessas pessoas é uma boa companhia. É uma tarefa árdua passar mais de duas horas com eles. Tom Holland canaliza habilmente sua vulnerabilidade em alguém que usa suas fraquezas para justificar um comportamento terrível. Ele interpreta um cara que do nada se apaixona, vai para a guerra e se torna um ladrão de banco viciado em opiáceos. Se a tentativa aqui era do ator provar que ele consegue fazer outra coisa além de ser um herói, ele até consegue, mas é difícil acompanhar a jornada de seu personagem. Tom Holland não é um mau ator, em 'Cherry: Inocência Perdida' ele prova ter habilidades para ser além de um super herói. 'Cherry: Inocência Perdida' não tem como fazer você se importar com alguém que dificilmente parece se importar consigo mesmo. Seu protagonista salta de um desastre americano para o outro e luta por qualquer tipo de agência que encontrar enquanto cai no fundo do poço. O livro foi adaptado para um roteiro por Angela Russo-Otstot e Jessica Goldberg. O roteiro se apoia fortemente na narração, o que muitas vezes reitera o que estamos vendo na tela. A narração ininterrupta, que vai e vem, indica como os cineastas não confiam no material para ter vida própria. O diálogo desajeitado também atrapalha o resto do elenco, que não consegue tirar seus personagens frágeis da página. O ritmo acelerado nunca deixa o telespectador absorver a trama. O problema com 'Cherry: Inocência Perdida' é que o filme se apresenta como uma fatia da vida repleta de pavor, mas quase todos os momentos parecem baseados não na experiência, mas na experiência de outros filmes. Os diretores nunca nos convencem da verdade orgânica da história que contam. Os irmãos Russo estão tentando pensar além da Marvel e exibir suas habilidades do mundo real, mas o que eles demonstram é que mesmo com material básico como este, eles ainda pensam em forma de fantasia. Este é um filme sem nada de novo a dizer sobre amor, guerra, trauma, vício, crime ou a América. A história da vida real de Nico Walker daria um bom filme, mas este sofre com o estilo constante em detrimento da substância. Dificilmente há um momento em 'Cherry: Inocência Perdida' que seja crível, mas o verdadeiro crime do filme é que dificilmente há um momento agradável nele. Nota: 5 Compre o livro capa dura aqui. Compre o ebook no Kindle aqui.

Esse texto pode conter possíveis SPOILERS. Sinopse: Dama é uma cadelinha da raça cocker spaniel, que vive na mordomia e no acolhimento da casa de seus donos, a aristocrata "Querida" e seu esposo Jim. Ela sempre recebeu carinho e tudo que queria, só que com Querida grávida, ela começa a se sentir em segundo plano. É justamente nessa fase que ela conhece Vagabundo. Ele é um cachorro de rua, vira-lata e que tem que se virar para sobreviver. Até que um dia a dona de Dama viaja e deixa o bebê recém-nascido sob os cuidados de Tia Sarah, uma mulher que tem dois malvados gatos siameses. Eles armam uma tremenda confusão e culpam a cadelinha, que para se proteger tem de fugir. Dama então se perde na cidade, e vai depender da ajuda de Vagabundo para sobreviver e também para voltar aos seus donos humanos. Crítica: Superficialmente, o filme é uma simples história de amor contada com cães, em vez de humanos. 'A Dama e o Vagabundo' também retrata sentimentos mais sutis e poderosos. Lady experimenta todos os sintomas da rivalidade entre irmãos: rejeição, ciúme, solidão e rebelião, antes de aprender a aceitar a presença do bebê e seu próprio status alterado. A animação em si é maravilhosamente polida. A essa altura, os artistas da Disney podiam desenhar praticamente qualquer coisa e capturavam os ritmos e padrões do movimento canino com uma fidelidade extraordinária. Mais importante, os movimentos ajudam a delinear os personagens: o passeio alegre de Tramp estabelece sua personalidade de feliz e azarado, assim como o braço oscilante de Peg proclama seu passado sombrio e espetacular. Mas, ao contrário de um filme como Titanic, que argumenta que a liberdade da classe baixa é melhor do que a rigidez da classe alta, 'A Dama e o Vagabundo' encontra grande empatia pelos cães dos dois lados, não há nenhum vilão real no filme. Jock e Trusty são carinhosos por sua lealdade, mas os cães da classe baixa são igualmente carinhosos por sua franqueza e senso de humor. 'A Dama e o Vagabundo' é o raro filme da Disney mais interessado na realidade do que na fantasia. Certamente, envolve um mundo imaginário de cães falantes, enquanto refletem e refratam o cenário de 1909 fielmente. Muitos dos criadores que trabalharam no projeto - incluindo o próprio Walt Disney - cresceram nesse período e o filme está cheio de nostalgia por uma era mais simples. Nota: 8

Esse texto pode conter possíveis SPOILERS. Sinopse: Georgia, 1909. Em uma pequena cidade Celie (Whoopi Goldberg), uma jovem com apenas 14 anos que foi violentada pelo pai, se torna mãe de duas crianças. Além de perder a capacidade de procriar, Celie imediatamente é separada dos filhos e da única pessoa no mundo que a ama, sua irmã, e é doada a "Mister" (Danny Glover), que a trata simultaneamente como escrava e companheira. Grande parte da brutalidade de Mister provêm por alimentar uma forte paixão por Shug Avery (Margaret Avery), uma sensual cantora de blues. Celie fica muito solitária e compartilha sua tristeza em cartas (a única forma de manter a sanidade em um mundo onde poucos a ouvem), primeiramente com Deus e depois com a irmã Nettie (Akosua Busia), missionária na África. Mas quando Shug, aliada à forte Sofia (Oprah Winfrey), esposa de Harpo (Willard E. Pugh), filho de Mister, entram na sua vida, Celie revela seu espírito brilhante, ganhando consciência do seu valor e das possibilidades que o mundo lhe oferece. Crítica: É um filme caloroso, duro, implacável, triunfante e não há cena que não brilhe com o amor das pessoas que a fizeram. "A Cor Púrpura" é baseado no romance de Alice Walker, que contou a história de Celie por meio de uma série de cartas, algumas nunca enviadas, muitas nunca recebidas, a maioria endereçada a Deus. As cartas são sua maneira de manter a sanidade em um mundo onde poucos se importaram em ouvi-la. As maravilhosas performances neste filme estão contidas em um roteiro que pode tirar algumas das arestas chocantes do romance de Walker, mas mantém toda a profundidade e dimensão. Quando Celie estiver casada, com um homem cruel que ela chama apenas de "Senhor", ela terá perdido seus filhos e a capacidade de ter filhos, terá sido separada da irmã que é a única pessoa na Terra que ama ela, estará vivendo em servidão a um homem que ostenta seu amor por outra mulher. No entanto, esta mulher perseverará e prevalecerá. 'A Cor Púrpura' não é a história de seu sofrimento, mas de sua vitória, no final de sua história esse filme me emocionou e me elevou como poucos filmes o fizeram. A graça salvadora do filme são as performances. Como a adulta Celie estreando Whoopi Goldberg, uma das performances mais incríveis da história do cinema, usa seu rosto expressivo e sorriso alegre para registrar o crescimento da personagem. Igualmente bom é Glover, que tem uma presença poderosa na tela. Goldberg tem um trabalho terrivelmente difícil de fazer, conquistando nossa simpatia por uma mulher que raramente tem permissão para falar, sonhar, interagir com a vida ao seu redor. Spielberg quebra o muro de silêncio ao seu redor, no entanto, dando-lhe monólogos narrativos nos quais ela fala sobre sua vida e lê as cartas que compõem. A virada de Steven Spielberg na produção de filmes “sérios” é marcada em mais de um lugar por uma produção quase exagerada, que ameaça se afogar em suas próprias emoções. O filme é um pouco desajeitado, às vezes ele pode parecer estar tentando manipular suas emoções com sua trama. Existem algumas sequências de alívio cômico infeliz e algumas das caracterizações também são muito amplas e caricaturadas. Os personagens criados no romance de Alice Walker são tão vívidos que nem isso os mata e ainda há muito o que aplaudir (e chorar) aqui. O filme merece elogios por sua apresentação emocionante e empoderadora da força e nobreza das mulheres negras. Ele também foi condenado por sua cinematografia gloriosamente exuberante, como se as vidas dos negros devessem ser mostradas apenas em ambientes esquálidos. Nota: 8 Compre o livro capa comum aqui. Compre o ebook no Kindle aqui. Compre o livro capa dura aqui.

Esse texto pode conter possíveis SPOILERS Sinopse: Mulher-Maravilha 1984 acompanha Diana Prince/Mulher-Maravilha (Gal Gadot) em 1984, durante a Guerra Fria, entrando em conflito com dois grande inimigos - o empresário de mídia Maxwell Lord (Pedro Pascal) e a amiga que virou inimiga Barbara Minerva/Cheetah (Kristen Wiig) - enquanto se reúne com seu interesse amoroso Steve Trevor (Chris Pine). Crítica: 'Mulher Maravilha' de 2017 deu às mulheres um super-herói em seus termos. A diretora Patty Jenkins parece entender o que tornou a Mulher Maravilha importante e poderosa, e o público respondeu com aplausos. Portanto, é mais do que decepcionante que 'Mulher Maravilha 1984', novamente dirigido por Jenkins, mas desta vez escrito por ela e Geoff Johns, sacrificou todo o charme e coração da heroína, quase nada funciona nesse filme. Eu vou começar pela trama que é puro desastre. O filme se passa nos anos 80 e os roteiristas trouxeram uma trama bem anos oitenta, uma pedra que realiza desejos, sério isso?! Depois da Mulher Maravilha vencer a segunda guerra mundial, ela será jogada em uma trama envolvendo uma pedra que realiza desejos? A pedra dos desejos tenha uma regra básica: pode conceder um desejo, mas têm consequências , ela tira algo de você em troca. Simples, mas o filme consegue complicar, só mais tarde é que ficamos sabendo que os desejos tem consequências, isso nem é explicado, é simplesmente jogado na trama com algum personagem chutando a opção, ou deixando no ar para o telespectador entender. Isso gerou uma confusão no filme o que me deixou perplexo, não pela complexidade, mas pela burrice. Não sei se intenção dos produtores e do estúdio foi atrair ou fazer algo específico para as crianças, definitivamente esse é o filme mais colorido do universo da DC, mas mesmo que essa tenha sido a intenção, o filme tem uma trama muito boba e preguiçosa e se focado para um público infantil deveria ter trazido muito mais comédia e humor. 'Mulher Maravilha 1984' começa com um flashback empolgante da juventude de Diana, uma competição de habilidades na qual ela naturalmente próspera, construída em torno da ideia de lições difíceis que ela entenderá mais tarde na vida e cheio de bons efeitos especiais. É emocionante, voa alto, dá a você todas as sensações inspiradoras, mas infelizmente o filme começa e logo morre. Um dos grandes erros do filme, foi terem alterado tanto a essência da personagem. Como pode uma Diana sofrer de amor por 66 anos?! Não combina com uma Mulher Maravilha. Claro que ela pode se apaixonar, viver o grande amor e sentir saudades disso, mas corroer essa história por 66 anos não faz sentido. Uma Mulher Maravilha sofrendo de solidão? Não era essas coisas que queríamos ver de uma heroína. O espírito de liderança deixado no primeiro filme é totalmente jogado no lixo nesse segundo. Eu já havia criticado a atuação de Gal Gadot, aqui minha opinião continua a mesma. A atriz não encontra uma maneira de unir a entusiasmada Diana e a forte guerreira. Nos momentos de drama a atriz é exagerada e em todos os outros, falta brilho e vontade, mas ela faz poses de super-heróis muito bem. Steve Trevor morreu em 'Mulher Maravilha', mas ele está de volta! Como é bastante óbvio, dado o artifício da trama, mas a maneira como ele volta é boba e ridícula e pior, não acrescentou nada em  'Mulher Maravilha 1984'. Mas é bom ver Chris Pine se divertir em seu papel nesse filme. A heroína enfrenta um vilão barulhento, insuportável e enlouquecedor. Maxwell Lord, interpretado por Pedro Pascal, tem a velocidade do vento de um furacão. Não é o melhor e mais amedrontador vilão que existe, mas eu confesso que foi mais legal acompanhar o seu arco do que o da própria personagem título. Kristen Wiig como Barbara, uma historiadora desajustada e estúpida, traz esperança desde o início, Wiig assim como Pine, aproveita a oportunidade para se divertir. A amizade entre Barbara e Diana, não convence e não há peso emocional nenhum, como o filme tenta vender. Cheetah é uma vilã totalmente descartável, com uma construção muito clichê, o que é frustrante, pois a vilã é uma das maiores vilãs da Mulher Maravilha. Falando na construção de época, 'Mulher Maravilha 1984' faz um bom trabalho, o figurino remete muito aos anos 80 e a produção soube trazer de volta a vida os bons tempos, ele é deliciosamente e divertidamente nostálgico. O filme também usa o dos anos oitenta para trazer humor, mas não funciona, o pouco de humor que há na trama é bem sem graça. O terceiro ato do filme é a cereja do bolo desastre. O CGI fica ruim e mal feito, e há uma luta no escuro que não dá para ver e nem entender nada. A moral sobre a nobreza e renunciar aos seus maiores desejos em nome de um bem maior, é apresentada no fim do filme, mas honestamente eu não me importei. Depois de ver tantas escolhas erradas para 'Mulher Maravilha 1984', o final vem como um alívio. 'Mulher Maravilha 1984' é um decepção, apesar de todas as suas esperanças e sonhos, o filme tem muita ambição, mas não consegue atingir a grandeza que busca. 'Mulher Maravilha 1984' é mal concebido, mal escrito e sem a maioria dos encantos básicos que tornavam a 'Mulher Maravilha' original um deleite. Nota: 5

Esse texto pode conter possíveis SPOILERS. Sinopse: Em um futuro pós-apocalíptico onde a humanidade já começou a colonizar outros planetas, uma infecção rara e perigosa tomou conta do planeta e causou o inimaginável: todas as mulheres foram mortas, e agora os pensamentos de todos os homens tornam-se audíveis. O jovem Todd, temendo a destruição total, decide partir fugindo de sua cidade e, durante sua jornada, conhece pela primeira vez na vida uma mulher. Crítica: Quer ouvir o que Tom Holland está pensando? Então pense de novo. Em uma tentativa de iniciar uma franquia de filmes com os livros de ficção científica YA de Patrick Ness, 'Mundo em Caos' chega atrasado na indústria cinematográfica. Talvez haja uma razão para o gênero distópico ter sido deixado para trás por Hollywood. Os filmes desse gênero tiveram seu apogeu no início de 2010, mas a premissa de lindos adolescentes e jovens na faixa dos vinte e poucos anos tendo que contar com sua parcela de governos autoritários que acabam com o mundo cumpriu seu curso. Liman usa seus pontos fortes como diretor para produzir sequências de perseguição envolvendo cavalos e um rio furioso. 'Mundo em Caos' pode muitas vezes ter um tom mais parecido com um faroeste enquanto Todd e Viola caminham pela floresta, lutando contra os elementos e os nativos. O conceito principal do romance de Patrick Ness, é uma ideia complicada que pode ter funcionado na página, mas na tela grande não funciona. Uma comunidade de homens são deixados à própria sorte depois que todas as mulheres foram mortas pelo Spackle, uma raça de alienígenas malévolos. Cada homem é seguido por seu próprio “ruído”, uma névoa de pensamentos e medos que devem ser controlados ou revelarem seus segredos mais íntimos aos que estão ao seu redor. Muito parecido com a aparência do brilho da adaptação de 'Aniquilação' de Alex Garland, os “ruídos” é um turbilhão desajeitado de rostos, palavras e ideias azul e roxo que é tão incrivelmente errôneo que destrói o filme desde o início. O roteiro de 'Mundo em Caos' é surpreendentemente banal para alguém que passou por tantos rascunhos e teve uma horda de roteiristas como Charlie Kaufman, Jamie Linden, John Lee Hancock, Gary Spinelli e Lindsey Beer retocando-o. A versão final foi escrita pelo autor do livro Patrick Ness com Christopher Ford, e excessivamente sem inspiração, exceto pelos choques ocasionais de violência horrível e momentos estranhos de ingenuidade de Todd. Pelo menos o elenco é bom, particularmente Tom Holland e Daisy Ridley sabem como segurar um blockbuster com força e humanidade. Mads Mikkelsen, que aparentemente é incapaz de dar um mau desempenho em qualquer coisa que faça. O ato final fragmentado fica ainda mais embaraçoso quando você vê o quanto Holland e Ridley parecem mais velhos nas cenas claramente refeitas. O final foi filmado quase dois anos após o restante do longa, é uma forma quase cômica desajeitada de encerrar uma das ofertas mais desajeitadas da pandemia. O tom sem humor, a cinematografia silenciosa, as ameaças genéricas em CGI, o diálogo cafona, as reviravoltas nada surpreendentes e o futurismo deprimente são todos os elementos básicos de um gênero que há muito está sem ideias. Em uma premissa com muita promessa, Tom Holland e Daisy Ridley estão perdidos em um mar de clichês distópicos em uma aventura atrasada e mal avaliada sobre um futuro onde os pensamentos dos homens são visíveis. Nota: 4 Compre o ebook no Kindle aqui. Compre o audiolivro no Audible aqui.

Esse texto pode conter possíveis SPOILERS. Sinopse: Treinada desde criança para ser uma guerreira imbatível, Diana Prince (Gal Gadot) nunca saiu da paradisíaca ilha em que é reconhecida como princesa das Amazonas. Quando o piloto Steve Trevor (Chris Pine) se acidenta e cai numa praia do local, ela descobre que uma guerra está se espalhando. Decidida em lutar pela paz, Diana percebe o alcance de seus poderes e sua verdadeira missão na Terra. Crítica: Que é fato que a DC teve dificuldades de encontrar um equilíbrio para seus filmes de super-heróis, isso todo mundo já sabe, com Mulher Maravilha eles acertam pela primeira vez. A diretora Patty Jenkins não só apresenta uma Mulher Maravilha vencedora da primeira guerra mundial, ela também fica responsável por endireitar o universo DC nos cinemas. E claro ela conhece muito bem a personagem da qual dirige, tudo em "Mulher Maravilha" é orgânico. Temos slow motion em excesso e uma fotografia caracteristicamente cinza uma marca registrada dos filmes da DC e que talvez eles poderiam repensar a respeito. Mas ainda sim em "Mulher Maravilha" mostra uma paleta de cores mais viva, principalmente no começo do filme ao retratar o arco das Amazonas. O filme tem um bom figurino e uma ótima construção de época. O roteiro vai trabalhar muito bem nos relacionamentos de amizade entre os personagens e alguns diálogos que irão fazer você refletir sobre guerra e violência. O filme é para mostrar a origem da "Mulher Maravilha" e isso acontece equilibradamente bem. “Mulher Maravilha” tem uma ingenuidade cativante, mas que nunca causa fraqueza. Gal Gadot, uma atriz israelense, vende inocência e humor em momentos convincentes. Ela sabe transmitir o amadurecimento que sua personagem precisa para sustentar a trama. Gal Gadot que embora não tenha a melhor das cargas dramáticas, segura muito bem as pontas nas cenas de ação. O longa-metragem não somente salva o mundo, mas também uma franquia de filmes de bilhões de dólares. O filme é equilibrado, simples e gratificante assim como um filme de super-herói deve ser. Nota: 7

Esse texto pode conter possíveis SPOILERS. Sinopse: Selah é uma jovem nascida em um culto repressivo conhecido como "rebanho". Todas as mulheres e crianças vivem em um complexo rural e são liderados por um homem, conhecido apenas como "Pastor". Selah recebe a grande honra de participar do ritual sagrado do nascimento dos cordeiros, do qual o rebanho depende para sobreviver. Durante a cerimônia, ela passa por uma experiência chocante. A adolescente começa a ter visões estranhas que a fazem questionar sua própria realidade, e tudo o que o Pastor a ensinou. Crítica: A cineasta que conta esta história em particular é a escritora e diretora polonesa Malgorzata Szumowska, cujos filmes anteriores tensos e provocantes exploraram os limites externos da sexualidade juvenil e do desejo proibido, bem como os laços entre o espírito e a carne. Em 'O Rebanho', a quietude requintada de suas composições funciona em um contraponto elegante às tensões que se agitam sob a superfície. As mulheres são julgadas por sua idade, submissão e desejo e à medida que aprendemos mais sobre as inclinações sexuais do Pastor, descobrimos que sua calma esconde algo mais sádico. Seu controle sobre as mulheres é absoluto e a jornada de Selah em direção à compreensão da verdade exige que ela aprenda a importância de sua própria independência. A personagem Selah é vivida pela jovem atriz Raffey Cassidy que tem um olhar que é de alguma forma curioso e feroz. Ela é tão cativante como sempre, nesse filme visualmente imaculado, embora dramaticamente confuso, a atriz traz muito equilíbrio ao tom do longa. 'O Rebanho' é absorvente o suficiente sem gerar muito terror, tensão ou surpresa real, o filme nunca se aprofunda em seus gêneros. Como uma ameaça externa envia o pastor e seu rebanho em busca de um novo lar, torna-se claro que esta parábola encharcada de pavor da vingança feminina só pode terminar de uma maneira, e pode ser por isso que Szumowska não se detém nas violentas passagens finais. Deslizando perto dos tropos do gênero, mas movendo-se mais confortavelmente como um drama inquietante sobre o poder alarmante da fé cega. 'O Rebanho' também traz sequências de sonhos que se voltam ainda mais para o território do terror, mas, em última análise, é um conto de tristeza, de mulheres enganadas por um monstro, que as enganou fazendo-as pensar que sabia algo que elas não sabiam, é intrigante, surpreendentemente feito e bem executado, se não tão poderosa quanto poderia ter sido. O diretor de fotografia Michal Englert faz um trabalho sólido, reunindo uma paleta de azuis manchados e verdes terrosos de suas locações irlandesas, substituindo algum lugar não declarado nos Estados Unidos. As cores habilmente equilibradas e as composições simétricas parecem zombar dos personagens e de suas dificuldades cada vez mais terríveis, impondo um senso de ordem que logo se revela insustentável. A filmagem de Szumowska é cautelosa quando é importante, antes de entrar em seu rosto com flashes fantasmagóricos de imagens horripilantes. Os cortes do editor Jaroslaw Kaminski, são elusivos e elípticos, muitas vezes pulando informações cruciais para ir direto ao cerne de algo terrível. Várias mortes significativas estão implícitas, mas nunca vistas, apenas para serem confirmadas (ou não) repentinamente mais tarde. 'O Rebanho' costura o fio entre o culto que vemos e a dinâmica de gênero em muitos relacionamentos até hoje, dos homens que tratam as mulheres como propriedade e das mulheres que confundem isso com amor. Malgorzata Szumowska é uma diretora visualmente confiante, capaz de construir algumas imagens magníficas, mas é um filme que sempre ameaça ser mais estilo do que substância. No final, há quase o suficiente para impedir que isso se torne o caso, mas para assombrar além dos créditos finais, realmente precisava de mais. Nota: 6

"Blade Runner" é um filme de ficção científica neo-noir honcongo-estadunidense de 1982 dirigido por Ridley Scott e estrelado por Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young e Edward James Olmos. O roteiro, escrito por Hampton Fancher e David Peoples, é vagamente baseado no romance "Andróides Sonham com Ovelhas Elétricas?", de Philip K. Dick. O filme foi lançado em 1.290 cinemas no dia 25 de junho de 1982. O filme arrecadou razoavelmente bem faturando US$ 6,1 milhões durante o seu primeiro fim de semana nos cinemas. Embora não tenha feito sucesso com o público em primeira instância, o longa-metragem ficou popular internacionalmente tornando-se referência do gênero e um clássico cult. Abaixo você confere algumas curiosidades sobre o filme, há spoilers no texto a seguir. 1 Joanna Cassidy (Zhora) estava à vontade com a cobra em volta do pescoço porque era seu animal de estimação, uma píton birmanesa chamada "Darling". 2 Depois que Pris (Daryl Hannah) conhece J.F. Sebastian (William Sanderson), ela foge dele, derrapando em seu carro e quebrando a janela com o cotovelo. Este foi um erro genuíno causado por Hannah escorregar no chão molhado. O vidro não era vidro falso, era vidro de verdade, e Hannah lascou o cotovelo em oito lugares. 3 De acordo com a biografia de Rutger Hauer, o confronto final entre Rick Deckard e Roy Batty era para ter sido uma luta em uma antiga academia, usando artes marciais como kung-fu ou algo semelhante. Hauer não gostou da ideia, dizendo que era "Bruce Lee demais" e afirma ter tido a ideia de Batty perseguir Deckard. 4 A cena final foi filmada horas antes de os produtores tirarem o controle criativo de Ridley Scott. 5 Originalmente, Roy Batty teria um longo monólogo pouco antes de sua morte, escrito por David Webb Peoples. Rutger Hauer achou que o texto era muito técnico, não tinha relação com o filme e se referia a locais com os quais o público não estaria familiarizado. Isso não ajudou a criar nenhum impacto dramático na cena. Na noite anterior às filmagens, sem o conhecimento de Ridley Scott, Hauer removeu grande parte do monólogo, manteve as peças de que gostava e acrescentou as duas últimas linhas: "Todos esses momentos serão perdidos no tempo, como lágrimas na chuva. Hora de morrer". 6 O termo "replicantes" não é usado em nenhum lugar na escrita de Philip K. Dick. As criaturas no romance de origem são chamadas de "androides" ou "andies". O filme abandonou esses termos, temendo que eles soassem cômicos falados na tela. "Replicantes" veio da filha do roteirista David Webb Peoples, Risa, que estudava microbiologia e bioquímica. Ela apresentou ao pai a teoria da replicação - o processo pelo qual as células são duplicadas para fins de clonagem. 7 A cena em que Zhora (Joanna Cassidy) atravessa uma parede de vidro foi filmada perto do final da produção. O orçamento e o tempo estavam se esgotando, então a cena teve que ser feita às pressas. Isso causou alguns problemas de continuidade, já que claramente não era Cassidy fazendo a cena; na verdade, é a dublê Lee Pulford usando uma peruca ruim que alguém acabou de trazer para o set. Para a versão Final Cut deste filme, um dia de filmagens inteiramente novo aconteceu - que ficou conhecido como o "Greenscreen Shoot". Novas imagens de Cassidy foram filmadas e a tecnologia de substituição facial foi usada para substituir digitalmente o rosto de Pulford pelo de Cassidy. 8 Joe Turkel (Dr. Elden Tyrell) teve grandes dificuldades em se lembrar de seu longo e muitas vezes técnico diálogo, então para ajudá-lo, a equipe ergueu faixas de texto das quais ele podia ler suas falas. Ainda era muito difícil para ele, já que mal conseguia ver através dos enormes e grossos óculos que tinha que usar como Tyrell. 9 Uma ginasta foi contratada como dublê para Daryl Hannah na cena em que Pris ataca Rick Deckard, mas o diretor Ridley Scott ensaiou a cena tantas vezes, que quando eles estavam prontos para filmar a cena, ela estava exausta demais para fazer qualquer coisa. A cena foi filmada com um ginasta que eles conseguiram achar durante o horário de almoço. 10 Para o salto de Rick Deckard durante o clímax, o coordenador de dublês Gary Combs usou um casaco idêntico ao de Harrison Ford . Por razões de continuidade, ele teve que parecer molhado de toda a chuva, então o diretor Ridley Scott disse à equipe para continuar encharcando-o com água. O casaco absorveu muita água, então quando chegou a hora de fazer a façanha, o casaco ficou tão pesado que ele não conseguiu fazer o salto. Ele machucou gravemente o braço na trave saliente e só conseguiu segurar a borda. Essa foi a cena que aparece no filme. 11 A "escama de cobra" vista sob o microscópio eletrônico era, na verdade, um botão de maconha. 12 Alguns monitores de computador dentro dos veículos foram usados no "Nostromo" e no bote salva-vidas em "Alien: O 8º Passageiro" (1979). Alguns efeitos sonoros desses filmes também podem ser ouvidos. 13 O diretor de fotografia Jordan Cronenweth estava começando a sofrer da doença de Parkinson que acabaria por matá-lo, e muitas vezes era bastante fraco durante os longos dias e noites de filmagens. No final da produção, ele estava em uma cadeira de rodas, mas de acordo com o diretor Sir Ridley Scott, Cronenweth era um verdadeiro soldado que fez seu trabalho durante as difíceis filmagens até o final. 14 Devido a uma greve iminente entre os atores e atrizes perto do final da fotografia, o cronograma de filmagens tornou-se extremamente longo e apressado para concluir este filme. Dois dublês de Rutger Hauer foram feridos enquanto faziam o salto de Roy Batty durante o clímax deste filme. Ao filmar sua cena de morte após 25 horas de filmagem, Hauer estava tão exausto que chegou a desmaiar quando chegou no hotel. Quando retornou ao set no dia seguinte, depois de um sono decente, a greve havia sido suspensa. Hauer foi capaz de terminar suas cenas corretamente, e até mesmo criou seu famoso monólogo de morte. 15 Esse filme sofreu nas bilheterias porque estreou ao mesmo tempo que "E.T.: O Extraterrestre" e "O Enigma de Outro Mundo". Embora tenha havido elogios ao estilo visual, o boca a boca sobre o ritmo lento e os temas sombrios deste filme rapidamente causaram uma queda nos índices de audiência. 16 O primeiro corte de Sir Ridley Scott durou quatro horas. A maioria da equipe, incluindo os roteiristas e diretores, admitiu que, embora parecesse bonito, era principalmente incompreensível devido a problemas na história, o que exigiu edição adicional e uma narração explicativa. 17 Syd Mead foi originalmente contratado para projetar veículos e adereços. No entanto, em seus esboços, ele incluiu fundos para contextualização. O diretor Ridley Scott ficou tão impressionado com o trabalho de Mead que lhe pediu para trabalhar no design do ambiente deste filme. Mead, que originalmente deveria ser contratado por apenas alguns dias, permaneceu na produção por várias semanas por uma taxa de US$ 1.500 por dia. Esse foi um dos fatores que fez com que o filme ultrapassasse o orçamento. 18 Quando Deckard impede Rachael de sair de seu apartamento, ele a empurra para longe dele. A expressão de dor e choque em seu rosto era real. Sean Young disse que Harrison Ford teve dificuldades em tocar a cena com ela, e a pressionou demais. 19 Quando o autor William Gibson foi ver este filme, ele estava se preparando para começar seu primeiro romance, "Neuromancer". No entanto, 20 minutos depois deste filme, ele se levantou e saiu do cinema porque ficou muito chocado com as semelhanças entre este filme e seu romance ainda não escrito. 20 A paisagem de Hades na cena de abertura foi filmada usando perspectiva forçada. A miniatura tinha apenas 13 metros de profundidade e 18 metros de largura. A fumaça foi usada extensivamente para criar uma sensação de profundidade. Para manter o nível de fumaça consistente durante as filmagens, um detector de fumaça era conectado a um gerador de fumaça e sinalizava quando tinha que produzir mais fumaça. Quase 7 quilômetros de fibra óptica e mais de 2.000 luzes foram necessários para iluminar a paisagem. Para filmar toda a sequência, o mesmo pedaço de filme foi exposto várias vezes, cada vez filmando um elemento diferente no tiro (como estruturas, luz, fogo e veículos). Para que todas as tomadas combinassem, o movimento exato da câmera tinha que ser repetido com uma câmera controlada por movimento até dezessete vezes. Isso colocou tanto estresse no filme que a equipe de efeitos especiais muitas vezes descobria que a câmera havia rasgado o filme em pedaços. 21 A cena em que Roy Batty (Rutger Hauer) é apresentado tem um close-up de seu rosto antes de sair de uma cabine telefônica. Esta foi, na verdade, uma cena espelhada reutilizada do final do filme, onde ele conversa com o Dr. Elden Tyrell (Joe Turkel): a mão vista em seu ombro tanto no corte original quanto no do diretor pertence a Turkel. Na versão Final Cut, a mão foi apagada digitalmente e o fundo foi alterado para combinar com a cabine telefônica. 22 Hampton Fancher havia escrito uma cena de amor entre Rick Deckard e Rachael, que o diretor Ridley Scott e os produtores acharam "romântica demais". Foi reescrito e até filmado como uma cena muito mais erótica, mas no filme, uma versão mais moderada sem nudez foi usada. 23 As primeiras cenas a serem gravadas foram aquelas que se passam no escritório do Dr. Eldon Tyrell (Joe Turkel). Apesar da cuidadosa pré-produção, o diretor Sir Ridley Scott ficou muito consternado ao descobrir que as colunas do escritório haviam sido construídas de cabeça para baixo; reorganizá-los levou várias horas. Depois de duas semanas de filmagens, ele decidiu que não gostava da iluminação das cenas e ordenou que tudo fosse refilmado do zero. Isso não apenas atrasou este filme com duas semanas de atraso, mas também criou um grande conflito entre Scott e a equipe de câmera, liderada pelo diretor de fotografia Jordan Cronenweth. 24 Um modelo vertical do Millennium Falcon de "Star Wars: Uma Nova Esperança" (1977) pode ser visto (com alguma dificuldade) à esquerda do prédio da Polícia enquanto o rotador de Rick Deckard (Harrison Ford) e Gaff (Edward James Olmos) faz sua descida. 25 Quando o outdoor asiático é exibido pela primeira vez, uma pia de cozinha pode ser vista disfarçada como um prédio no fundo distante da foto. Como algumas das miniaturas eram tão altas, muitas vezes não havia espaço suficiente entre os modelos e o teto para mover a câmera sobre as miniaturas. A equipe de efeitos especiais resolveu isso inclinando os cenários em um ângulo. 26 Rutger Hauer comprou um iate com parte do salário que ganhou neste filme. Ele batizou seu navio de "The Bladerunner". 27 Rick Deckard é chamado apenas pelo sobrenome. Ele não é chamado por seu primeiro nome ao longo deste filme. 28 Ridley Scott decidiu escalar Frank McRae como Leon Kowalski até ver a audição de Brion James. Após a audição, a secretária de Scott disse a ele que James a assustou, e ao ouvir isso, Scott ofereceu a James o papel. 29 A maquiagem de Daryl Hannah foi inspirada no personagem-título de "Nosferatu: O Vampiro da Noite" (1979). 30 A história da aranha sendo devorada viva por um exército de aranhas bebês foi uma lembrança de Barbara Hershey, que contou isso para Hampton Fancher enquanto ele estava compondo o roteiro. 31 Embora este filme seja vagamente baseado em "Andróides Sonham com Ovelhas Elétricas?", de Philip K. Dick, o título vem de um livro de Alan Nourse chamado "The Bladerunner". William S. Burroughs escreveu um roteiro baseado no livro de Nourse e uma novela intitulada "Blade Runner: A Movie". Ridley Scott comprou os direitos do título, mas não do roteiro nem do livro. A composição de Burroughs define um blade runner como "uma pessoa que vende instrumentos cirúrgicos ilegais". 32 Pouco antes do lançamento deste filme, Philip K. Dick recusou uma oferta de US$ 400.000 para escrever a novelização deste filme. Em vez disso, "Andróides Sonham com Ovelhas Elétricas?" foi relançado sob o nome de "Blade Runner" e com o pôster do filme como capa. 33 O apartamento de Rick Deckard, desenhado pelo cenógrafo Charles William Breen e construído no palco da Warner Brothers, foi inspirado na Ennis-Brown House, projetada por Frank Lloyd Wright, em Los Angeles, Califórnia. Breen mandou tirar moldes de gesso dos blocos têxteis da casa projetada por Wright e os usou para as paredes do cenário. 34 Na estranha propaganda japonesa mostrada ao lado de um dirigível, na qual uma mulher parecida com uma gueixa está engolindo uma pílula, os alto-falantes tocam uma frase de uma peça japonesa de Noh, dizendo "Iri Hi Katamuku", literalmente "o sol poente se põe". De acordo com o supervisor de efeitos fotográficos especiais David Dryer, as pílulas que estão sendo engolidas são pílulas anticoncepcionais. 35 A arma de Rick Deckard foi baseada em uma arma da vida real, mas não em uma pistola. Tratava-se, antes, de um fuzil de duplo gatilho fabricado pela empresa austríaca Steyr-Mannlicher. Os fabricantes de adereços cortaram o cano e o estoque da arma, adicionaram um punho de pistola curvo e alguns L.E.D.s, e uma lenda nasceu. O único problema, é claro, era que a arma pesava tanto, quase o dobro do que uma pistola normal, e que ela estava equipada com munição de 5,56 milímetros, o que exigia o uso de balanços especiais quando era disparada no conjunto. 36 Ridley Scott, um grande fã de Massacre Brutal (1981), insistiu em dar a Sean Young um penteado semelhante ao que Fiona Lewis ostentou naquele filme. 37 Os escritórios de polícia construídos em Union Station, Los Angeles, Califórnia, para filmagens ainda estão hoje, em uso como escritórios da estação. A equipe conseguiu um pequeno desconto se os funcionários da Union Station concordassem em manter o set para uso prático após o término das filmagens. 38 Há apenas noventa cenas de efeitos visuais em todo o filme em todas as versões. A maioria foi feita com miniaturas elaboradas, ou pinturas foscas. A última técnica envolveu o uso de pinturas detalhadas que foram cuidadosamente compostas em planos live-action já filmados, a fim de adicionar edifícios ou paisagens urbanas. O plano combinado teria então que ser filmado novamente para obter o efeito desejado, mas durante a exposição do filme, as cores muitas vezes mudavam um pouco. Os pintores foscos, portanto, tiveram a difícil tarefa de levar em conta essa mudança de cor ao fazer as pinturas. 39 A cena com Hannibal Chew (James Hong) foi filmada em um freezer real extremamente gelado, então o elenco realmente estava tremendo. 40 Para a cena no banheiro onde Rick Deckard encontra a escama de cobra, Deckard é interpretado pelo dublê de Harrison Ford, Vic Armstrong, já que a cena foi filmada na Inglaterra e Ford não estava disponível na época. Na época, Armstrong tinha tanta semelhança com Ford que foi seu dublê em "Indiana Jones e o Templo da Perdição" (1984). 41 Muitos dos chapéus que os transeuntes usam nas ruas eram, na verdade, cestas compradas no Pier One. 42 Foram necessárias três horas para colar todas as lantejoulas em Joanna Cassidy. 43 William Sanderson pesquisou seu personagem analisando casos reais de progeria, a doença de envelhecimento avançado da qual J.F. Sebastian sofre. 44 É frequentemente alegado pelos fãs que os movimentos que Roy Batty (Rutger Hauer) joga para o xeque-mate Dr. Elden Tyrell (Joe Turkel) são de um famoso jogo jogado em 1851 entre Adolf Anderssen e Lionel Kieseritzky, conhecido como "O Jogo Imortal". No jogo real, Anderssen realmente sacrificou sua rainha para forçar um xeque-mate no próximo movimento. No entanto, Sir Ridley Scott afirmou que quaisquer semelhanças com o jogo real no jogo do filme foram mera coincidência. De qualquer forma, a posição das peças no conselho de Sebastian não corresponde às posições no conselho de Tyrell. 45 Hy Pyke filmou sua cena em um único take, algo quase inédito com Sir Ridley Scott, cujo impulso pela perfeição resultou, às vezes, em tomadas de dois dígitos. 46 Os títulos considerados para este filme incluem "Do Androids Dream of Electric Sheep?", "Android", "Mechanismo", "Dangerous Days" e, finalmente, "Blade Runner". Depois que este filme mudou seu nome de "Dias Perigosos" para "Blade Runner", Sir Ridley Scott decidiu que não gostava do novo nome, e tentou chamar este filme de "Gotham City", mas Bob Kane (co-criador dos quadrinhos do Batman) não venderia os direitos do nome, então ele voltou a ser chamado de "Blade Runner". Por outro lado, o roteirista e diretor Sir Christopher Nolan admitiu que "Blade Runner" foi uma grande influência em seu Batman Begins (2005). O título "Dias Perigosos" foi usado em Dias Perigosos - Realizando Blade Runner (2007), o documentário de making-of deste filme. 47 Quando Rick Deckard está escaneando as fotos dos replicantes, um homem pode ser visto posando como a estátua "O Pensador", de Rodin, e uma mulher deitada em uma cama. Estes deveriam ser Batty e Zorah, mas não são interpretados por Rutger Hauer e Joanna Cassidy. Hauer não estava no set no dia em que a foto foi tirada, e Cassidy já havia terminado as filmagens, então stand-ins foram usados. 48 Ridley Scott perguntou a Emmet Walsh se ele poderia fumar para seu personagem, algo que Walsh não faz na vida real, mas concordou. Depois de filmar vários takes e Walsh começou a ficar doente com os cigarros, Walsh estalou: "Ridley deveria ser pendurado por suas bolas no teto". Na época, o presidente e produtor da Twentieth Century Fox, Alan Ladd Jr., testemunhou isso, ficou ofendido e mandou remover Walsh de outro filme no qual estava prestes a trabalhar, com Michael Keaton. 49 Harrison Ford tornou-se um porta-voz da eletrônica japonesa ao longo da década de 1980 após seu papel neste filme. 50 O primeiro dia de filmagens de Rutger Hauer foi a cena em que Roy Batty assassina o Dr. Elden Tyrell (Joe Turkel). A equipe havia criado uma cabeça falsa de Turkel ao custo de 20.000 dólares, mas Hauer teve dificuldade em trabalhar com ela, então ele perguntou se poderia fazer a cena com Turkel em vez disso. Tubos foram colocados atrás dos óculos e orelhas de Turkel de onde viria sangue falso enquanto Hauer realizava a cena. 51 Rutger Hauer recebeu uma oferta de um piloto para levá-lo ao set e voltar todos os dias, mas ele estava bem em dirigir sozinho para reduzir os custos. Ele alugou o Cadillac de Maximilian Schell por seis meses para esse fim. 52 O diretor Sir Ridley Scott e a diretora de elenco Jane Feinberg discordaram sobre a escalação de Sean Young como Rachael. Scott preferiu Young, enquanto Feinberg e Morgan Paull, que fizeram o teste com as atrizes de teste, preferiram Nina Axelrod, temendo que Young, uma intérprete mais inexperiente, não estivesse à altura do papel, já que ela havia se desviado da direção nos testes de tela. Scott insistiu em Young, que ele via como um tipo Vivien Leigh. 53 Este filme é dedicado em memória do irmão de Sir Ridley Scott, Frank, que morreu em 1980 antes deste filme ser feito. 54 Ridley Scott disse ao programa "All Things Considered" da National Public Radio que originalmente queria que Rick Deckard usasse um chapéu estilo dos anos 1940 durante todo o filme, considerando que Deckard seria um tipo de detetive não muito diferente de muitos filmes noir dos anos 1940. No entanto, Scott decidiu contra isso quando viu o traje Indiana Jones de Harrison Ford (incluindo a fedora marrom) para Os Caçadores da Arca Perdida (1981), que foi filmado diretamente antes deste filme. 55 Rutger Hauer foi escolhido para o papel de Roy Batty por causa de sua aparência americana teutônica e não identificável. Também foi decidido descolorir o cabelo com peróxido, que era um processo doloroso que ele tinha que suportar a cada duas ou três semanas. 56 Os penteados e o guarda-roupa elaborado de Rachael foram inspirados em Joan Crawford. 57 O modelo da pirâmide de Tyrell tinha nove metros quadrados na base e dois metros e meio de altura, uma proporção de 1:750. Uma luz poderosa foi colocada dentro para mostrar as janelas sendo acesas. Como a luz estava muito quente e filmar o modelo levou muito tempo, a pirâmide acabou pegando fogo e derreteu. Felizmente, isso aconteceu perto do final das filmagens, quando as cenas necessárias tinham sido concluídos. Partes do modelo estão em exposição no Museu da Imagem em Movimento em Astoria, Queens, Nova York. 58 Quando Rick Deckard é visto pela primeira vez dirigindo, está chovendo, mas o para-brisa não estão ligados. Isso porque o para-brisa não estavam funcionando na gravação da cena. 59 De acordo com Douglas Trumbull, as explosões de chamas na cena de abertura foram imagens de explosões em grande escala que ele havia filmado originalmente para "Zabriskie Point" (1970). 60 Todos os replicantes têm uma relação visual ou temática com um animal: Leon Kowalski - Tartaruga (via pergunta de Dave Holden), Rachael - Coruja (na pirâmide do Dr. Elden Tyrell), Zhora - Cobra (como parte de seu ato), Pris - Raccoon (sua maquiagem "punk"), Roy Batty - Wolf (uivando durante as cenas finais). De acordo com essa ideia, o sonho de unicórnio de Rick Deckard teria duplo significado, pois o associa não apenas a um animal, mas a um mítico e antinatural, tornando-o um replicante único. 61 Rick Deckard compra uma garrafa de Tsingtao de um vendedor ambulante. Tsingtao é uma verdadeira cerveja chinesa, criada em 1903, e ainda sendo produzida. É uma das cervejas de maior sucesso da China e também apareceu em outros filmes. 62 Daryl Hannah ainda tem a peruca loira que usou interpretando Pris. 63 O fabricante de modelos Mark Stetson construiu a máquina Voight-Kampff vista neste filme em um único fim de semana. 64 Ridley Scott inicialmente considerou filmar em Hong Kong. 65 A miniatura de "Dark Star" (1974) pode ser vista ao fundo, perto da delegacia. 66 Cerca de dois terços dos letreiros de néon vistos nas ruas foram reaproveitados de "O Fundo do Coração" (1981), mais notavelmente a placa de cowgirl chutando. 67 A marca de cigarros fumados pelos personagens Rachael, Holden e Pris são Boyard, cigarros franceses. 68 Ridley Scott perguntou a Stanley Kubrick se ele tinha alguma filmagem de helicóptero não utilizada de "O Iluminado" (1980) que ele pudesse usar. No dia seguinte, mais de uma dúzia de bobinas chegaram ao seu escritório. Estes são usados durante os créditos finais. 69 Este filme foi orçado em cerca de 20 milhões de dólares, "marginalmente caro", mas uma pechincha em comparação com alguns outros filmes feitos na época que custavam perto de 40 milhões de dólares. É verdade que, mais tarde no comentário, Sir Ridley Scott faz referência ao orçamento como 25 milhões de dólares. 70 Em todas as cenas ao ar livre, está chovendo. 71 Um pôster desse filme pode ser visto em Superman III (1983) na cena em que o Superman Maligno luta contra Clark Kent no ferro-velho. 72 O designer de produção Lawrence G. Paull morreu em 10 de novembro de 2019, mesmo mês em que o filme se passa. 73 Anos após a conclusão do filme, o diretor Ridley Scott revelou que o clima do filme foi feito para imitar o mais próximo possível o clima que o pintor Edward Hopper capturou em sua famosa pintura de 1942, "Nighthawks". Scott relatou que queria que o filme inteiro parecesse ter sido filmado no mesmo mundo retratado em "Nighthawks". 74 A ideia de Roy Batty soltar uma pomba depois que ele morre foi de Rutger Hauer. A pomba deveria se soltar e voar para longe logo após a morte de Batty. No entanto, durante as filmagens da cena, a grande quantidade de água usada para a chuva encharcou a pomba, tornando-a incapaz de voar. Em vez disso, ela simplesmente pulou da mão de Batty e saiu andando. 75 Edward James Olmos lembra como o diretor Ridley Scott tocava a trilha sonora já gravada por Vangelis em alto-falantes durante as filmagens de algumas cenas para colocar o elenco e a equipe no clima certo. Compre o livro capa comum aqui. Leia de graça com o Kindle Unlimited aqui. Compre o ebook no Kindle aqui.